Oltre la forma: dove il design incontra l'umanità nella scultura contemporanea

Secondo me, la scultura contemporanea non è mai fine a se stessa. È in grado di interagire con le emozioni degli spettatori, il design dell'ambiente e tutto ciò che la circonda. In questo senso, il concetto di design è fondamentale per il mio approccio alla scultura. Penso che le mie opere forniscano un'esperienza estetica completa in relazione all'architettura, all'arredamento e alla luce.

Non si tratta semplicemente di "decorare" uno spazio, ma di renderlo più emozionante e significativo. Il mio desiderio di catturare l'essenza dell'umano, i suoi stati d'animo e le sue contraddizioni è alla base delle mie sculture, che spesso sono figurative e di forte espressività. Le mie opere dovrebbero stimolare la conversazione, stimolare le emozioni e stimolare la riflessione.

Il processo di "design del modello" diventa quindi essenziale. Ogni scultura inizia con un'idea, un bozzetto o un modello che si materializza in materiali come il bronzo, la resina o il marmo. La scelta del materiale è un elemento del design che contribuisce all'atmosfera e al messaggio dell'opera.

Inoltre, è qui che entra in gioco il concetto di "galleria d'arte". È più di un semplice luogo di esposizione; è un vero palcoscenico dove le mie sculture interagiscono con il pubblico, con altri artisti e con altre forme d'arte. Vederle combinate con altri contesti, come installazioni, dipinti e fotografie, mi consente di scoprire nuovi aspetti del loro significato.

Finalmente, vorrei sottolineare quanto sia fondamentale essere uno "scultore contemporaneo". Ciò implica prendersi cura del proprio tempo, prendendo in considerazione le proprie sfide, preoccupazioni e opportunità. Significa sperimentare e confrontarsi con nuovi materiali e tecniche, mantenendo la mia formazione scultorea.

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